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Diferentes tipos de madera se usan en un piano para cada una de las partes. Durante la fabricación de pianos.
Estos incluyen abedul, arce o maple, abeto, roble, caoba, ébano y muchas otras maderas exóticas.
Los troncos se cosechan y, por lo general, se cortan en tablones en el aserradero para utilizarlos en varias piezas de piano o se empapan en agua caliente para ablandarlos, y luego se pelan en una máquina para producir la chapa del exterior.
Una vez que se selecciona la madera, se somete a un proceso de secado. La madera se seca al aire, el tiempo de secado va de 6 meses a dos años, dependiendo de las partes en las que se utilizarán. Si la madera no se seca adecuadamente, puede deformarse y agrietarse. La madera que se seca al aire al 12-14% y luego se seca al horno al 11% es un porcentaje de secado normal para las tablas armónicas del piano, sin embargo, algunas cajas de resonancia se secan al 7% para tener en cuenta las condiciones áridas posibles (Nota: se toman valores de Estados Unidos debido a que mayoría de los pianos que se comercializan en México, provienen de ese país). Después del secado del horno, la madera se sazona nuevamente antes de que se hagan las piezas y generalmente se almacena bajo techo interior. Los fabricantes de violines del viejo mundo solían buscar madera que se había secado durante 100 años, sin embargo, los avances técnicos y el secado del horno han eliminado la necesidad de secar la madera durante tanto tiempo.
El trabajo especializado para seleccionar madera que se puede usar para un piano es muy importante ya que el porcentaje que se puede usar en la fabricación de pianos es pequeño. En un piano de alta calidad, aproximadamente únicamente el once por ciento de la madera es de un estándar suficientemente alto para fabricar un piano bien construido. Seleccionar esta madera requiere habilidad y un ojo entrenado. La madera seleccionada será de grano recto, cerrada y sin nudos. Después de seleccionar y separar la madera para su uso particular de la pieza, puede prepararse para pegarla. Los pegamentos utilizados en la fabricación de pianos son altamente resistentes al calor y a los cambios de humedad. Una vez seleccionada, la madera está preparada para la construcción de diferentes piezas.
Una parte en particular es la tabla armónica. Normalmente se utiliza el abeto ya que tiene una gran elasticidad y es la más reverberante. Diferentes fabricantes utilizan diferentes tipos de abeto (Sitka, Yezo, europeo, Adirondack y canadiense solo por nombrar algunos). El abeto generalmente se cosecha cuando la savia tiene su contenido más bajo. Lo ideal sería que las tablas de abeto tengan un grano con alrededor de 10 anillos de crecimiento anuales por pulgada. Las cajas de resonancia están hechas para curvarse y tienen una corona muy parecida a un cono de altavoz. La artesanía experta es esencial si la corona debe resistir durante muchos años de uso y posibles cambios ambientales.
Las tablas armónicas de baja calidad se enderezarán con el tiempo y perderán la robusta calidad tonal que alguna vez tuvieron. Los tablones de abeto de una placa de sonido se pegan entre sí y luego se mantienen en su lugar mediante listones de madera llamados costillas. El grano de la costilla corre en ángulo recto con el grano de la tabla armónica. Estas costillas ayudan a distribuir la resonancia y reforzar el tablero. Algunos fabricantes de pianos curvan las costillas para sostener la corona dentro de la placa de sonido. Una vez que la tabla y las costillas están juntas, están listas para los puentes.
El maple o arce suele ser la madera deseada para los puentes. El puente transfiere la energía de las cuerdas vibratorias a la tabla armónica o caja de resonancia y generalmente se coloca cerca de la corona de la caja de resonancia. Los puentes suelen estar pegados a la caja de resonancia, pero en los pianos de alta calidad los puentes también tienen una unión de espigas a través del puente, la placa y las costillas para transmitir las vibraciones de la cuerda de forma aún más eficiente.
El arce también se usa para el cabezal y está laminado para aumentar la resistencia. Otras maderas usadas en bloques de clavijas son de haya. Estas maderas duras aseguran un alto grado de estabilidad de ajuste durante un largo período de tiempo.
Las teclas del piano a veces están hechas de abeto. Es resistente y resistente al desgaste pesado. Por lo general, cortadas de una sola pieza de madera, las 88 teclas se sazonan aún más para permitir que escape la humedad y evitar el pandeo. Una vez que la tecla está lista, se pueden conectar las cubiertas de tecla (blanco y negro). Los materiales para las tapas de las teclas blancas son generalmente una resina sintética de marfil o plástico y para los negros es madera (a veces de ébano) o un material de resina especial.
El mecanismo de acción (maquinaria) está hecho de muchos componentes y la precisión es la clave. Para los pianos de mejor calidad, estas partes de acción se deben hacer con márgenes mínimos de menos de una milésima de pulgada en producción parcial. Por lo general, el arce es la opción para las partes del mecanismo de acción, aunque dependiendo de la fabricación también se utilizan otros tipos de madera. Estas partes están hechas para resistir la fricción constante y tienen que ser muy duraderas. La acción es el corazón del piano y lo que determina que el toque sea ligero o pesado.
La caja, el borde, los postes traseros y el exterior del piano están hechos de muchas maderas diferentes. El borde suele estar hecho de arce y / o arce y laminado de caoba, pero a veces el borde está hecho de picea por un fabricante particular de pianos europeos de alta calidad. Las columnas traseras están hechas de abeto. La carcasa exterior y el gabinete de algunos pianos están hechos de un núcleo de contrachapado sólido. (El álamo y el abedul se usan comúnmente.) Este núcleo está cubierto con chapas estratificadas con granos que corren en ángulos rectos entre sí para reducir el potencial de deformación. La capa exterior de chapa puede ser de nogal, caoba, arce, cerezo, roble, palo de rosa y muchas otras maderas exóticas para el aspecto de los muebles del acabado de los pianos.
No hay sustituto para la madera de calidad en la fabricación de pianos. La madera es muy especial, ya que vive y respira, y su selección requiere experiencia al más alto nivel para producir los pianos de mejor calidad y sus partes asociadas.
La afinacion del piano no es rápida, ni siempre son convenientes. Pero, son necesarios si desea mantener su instrumento en buenas condiciones. Si no mantiene un piano con fines musicales, tenga en cuenta cómo el valor depende de la condición, en caso de que alguna vez decida vender.
Los pianos son instrumentos complejos; si una parte realiza un sub-par, la calidad general del instrumento sufre. Un ajuste incorrecto puede ser un síntoma de otro problema, y las cadenas desafinadas son probablemente los indicadores más molestos de que necesita una puesta a punto general.
La afinación regular del piano también puede evitar daños. La tensión correcta (y constante) de la cuerda es importante para la salud de muchas partes delicadas del piano, piezas que son muy costosas de reparar. La afinación del piano ayuda a que estas partes trabajen juntas sin problemas, previniendo daños a (y desde) piezas vecinas.
Algunos problemas son indetectables para los que tocan el piano, por lo que tener un aspecto profesional calificado dentro de su piano de forma regular puede evitar que los pequeños problemas se conviertan en daños mayores. Pero recuerde: no todos los afinadores de pianos son técnicos de piano, y viceversa. Si desea que su piano se analice en profundidad, busque un afinador que haya sido entrenado para manejar el mantenimiento del piano.
La afinación regular del piano ayuda a construir la “fuerza” de la cuerda. Después de algunas afinaciones regulares, notarás que el tono no se desvía tan fácilmente (o tan a menudo) como lo hacía antes; sin embargo, esto depende del estado de su piano, así como del enfoque de su técnico. Idealmente, debería tener al menos cuatro afinaciones por año.
Si su piano ha estado dos o más años sin una afinación, podría requerir tratamientos correctivos. Aquí hay dos procedimientos comunes que se usan para corregir un ajuste gravemente incorrecto:
Ingresa a sus páginas web para que tengas una mejor perspectiva de ellos
Alexis Aranda nació en la Ciudad de México en 1974. Estudió en el conservatorio Nacional de Música y posteriormente en el conservatorio de Padua en Italia. Estudió composición con Mario Lavista y piano con Magdalena León Mariscal y Nadia Stankovitch. Su música a sido interpretada por la Orquesta Sinfónica Nacional, La Filarmónica de la Ciudad de México, la Filarmónica de la UNAM, la orquesta Filarmónica de Buenos Aires entre otras, en las que destacan orquestas de Perú, Europa y otros.
Ha participado en el festival Cervantino, el festival del Centro Histórico, el Foro internacional de Música Nueva “Manuel Enríquez”, el encuentro latinoamericano de Arpa entre otros, y sus composiciones se han tocado en países como Inglaterra, Estados Unidos, Italia, Bélgica y demás.
En el 2002 recibió de manos del embajador de Austria en México La Medalla Mozart, a la excelencia música; en 2003, el conservatorio de Padua le otorgó el premio de composición Cesare Pollini; el Fonca lo ha distinguido con la beca para jóvenes creadores en 1999 y en 2005; en 2004 fue nombrado compositor reciente de la Orquesta Sinfónica Nacional y en 2007 se le otorgó el premio de Comisión de Obra del Sistema Nacional de Fomento Musical.
Este es el enlace de su página personal, por si gustas saber más de él. Ahí puedes encontrar todo más detallado acerca de su obra: http://www.alexisaranda.com
Nacido en la Ciudad de México ha sido laureado con premios en concursos internacionales y nacionales, como la medalla de oro al primer lugar en el IV Concurso Internacional Liszt, Parnássos en 2003, entro otros. Obtuvo la plaza de concertista de Bellas Artes por concurso de oposición, de cuya agrupación es el integrante más joven.
A partir de su debut en Bellas Artes con la Orquesta sinfónica Nacional, se ha presentado como solista frecuente de las agrupaciones más representativas de nuestro país, como las sinfónicas de Minería, del Estado de México, de Aguascalientes, de San Luis Potosí, de la Filarmónica de la Ciudad de México, la OFUNAM, la Orquesta de Cámara de Bellas Artes, entre otras.
Inició sus estudios con Gustavo Morales y Andrés Oseguera. Cursó la licenciatura de piano en la Escuela Superior de Música con Yleana Bautista.
Se ha presentado como recitalista en Israel, Austria, España, Cuba y Suiza. Ha colaborado con directores y solistas como Peter Svenson, Enrique Diemecke, etc.
Página personal: http://www.rodolforitter.com/
Realizó estudios musicales en la Ciudad de México con Antonio Gomezanda y Juan Valle, y asistió a los cursos de perfeccionamiento pianístico de Bernard Flavigny y Jörg Demus; asimismo, recibió clases de Germán Díez, en Nueva York.
Durante tres años trabajó alado de Américo Caramuta en la cátedra de Fenomenología de la técnica pianística. Fue primer premio en el Concurso Panamericano Bernard Flavigny, semifinalista en el Van Cliburn y finalista en el Internacional de Pieno en Montreal, al obtener mención honorpifica por su ejecución del concierto número 2 de Brahms con la sinfónica de dicha Ciudad.
En 1989, presentó el ciclo completo de las treinta y dos sonatas para piano de Bethoveen, mismo que repitió en 1991 y en dos ocasiones más, en 1999. Es jefe de la cátedra de piano en el Conservatorio de Música del Estado de México y es integrante del grupo Concertistas de Bellas Artes de la Coordinación Nacional de Música del Estado de México y es integrante del grupo Concertistas de Bellas Artes de la Coordinación Nacional de Música y Ópera del INBA. Página Personal: http://www.manueldelaflor.net/
El pianista mexicano Mauricio Náder Schekaibán (1967), se inició en el concertismo a los nueve años de edad y ha mantenido una activa carrera que lo ha llevado a los escenarios en más de 650 ocasiones. A partir de sus actuaciones en España dentro las Semanas de Música de la Fundación Príncipe de Asturias en 1994, se ha presentado en diversos escenarios de México, Estados Unidos, Alemania, Bulgaria, España, Francia, Italia, Noruega, Portugal, Belice, Brasil, Colombia, Costa Rica, El Salvador, Cuba, Canadá, Puerto Rico, Líbano y Pakistán.
En 1996 obtuvo el Primer Lugar en el Concurso Internacional de Piano “Bartók-Kabalevsky” y recibió una Medalla Conmemorativa del Milenio de Austria; en 2008 recibió un reconocimiento de “Máxima Distinción” en el Ibla Grand Prize-World Music Competition (Italia) y el Primer Lugar en la V Bienal de Piano (México). También ha obtenido Primeros Lugares en el Texas Music Teachers’ Association Competition (1990), Tuesday Musical Club Young Artists Awards (1990), Concurso Nacional de Xalapa (1994) y Concurso Nacional Edvard Grieg (1995). A nivel internacional también ha recibido premios en el Victoria Young Musicians’ Competition (1991), el International Chopin Piano Competition (Texas, 1995) y el International Audio and Video Tape Piano Competition (1996); en 1991 fue Finalista con Mención Honorífica en el Joanna Hodges International Piano Competition.
Mauricio Náder se formó musicalmente en el Conservatorio Nacional de Música, en la Escuela de Música de la Universidad de Houston y la Eastman School of Music, en donde obtuvo el grado de Maestría en Piano y fue premiado con el Performer’s Certificate. Sus maestros fueron Carlos Bueno, María Teresa Rodríguez, Nancy Weems y Anton Nel.
Sus compromisos para la temporada 2010-2011 incluyen conciertos y clases maestras en México, Costa Rica, Puerto Rico, Perú, Estados Unidos y Europa. Página personal: http://www.mauricionader.net
Poseedor de un repertorio eléctrico y poco común, Alberto Cruzprieto, a presentado numerosos recitales en México, Finlandia, Alemania, Egipto, entre otros países Alguno de sus eventos más relevantes en los que ha participado son: esplendor de 30 siglos en Nueva York y San Antonio, la Feria Internacional del Libro en Frankfurt, la Expo internacional de Sevilla, entre otros.
Si discografía está integrada por 27 discos compactos en los que destacan; Bleu, Ponce y sus contemporáneos, imágenes mexicanas para piano, Déco, entre otros.
Ha sido miembro del ensamble Solistas de México creado por el gran director mexicano Eduardo Mata. Pertenece al grupo concertistas de Bellas Artes desde 1984. Página principal: http://www.albertocruzprieto.com/
Los padres también deben considerar lo siguiente al evaluar si su hijo está listo para tomar clases de piano:
¿Está dispuesto a ayudar a su hijo a practicar? Los jóvenes principiantes (edades 4-6) necesitarán ayuda para leer instrucciones, sugerencias de práctica, contar y más.
¿Posee un instrumento apropiado? Si no, ¿está dispuesto a comprar uno?
¿Está preparado para el compromiso de costo y tiempo?
Acércate con nosotros, obtén nuestra asesoría y un apoyo honesto en la elección del mejor piano que se adapte a tus necesidades.
Aquí están las señas que se buscan al entrevistar a un potencial nuevo estudiante de piano:
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¿Está dispuesto a ayudar a su hijo a practicar? Los jóvenes principiantes (edades 4-6) necesitarán ayuda para leer instrucciones, sugerencias de práctica, contar y más.
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Es el fin de semana y probablemente en algún momento buscará relajarse con su música favorita, verá una película que tenga una canción pegajosa – o bailará alguna canción. Revise este artículo y descubra porqué decimos que La Música significa Salud.
No hay duda de que escuchar su música favorita puede ponerle al instante de buen humor. Pero los científicos ahora están descubriendo que la música puede hacer mucho más para usted que solo levantar sus copas y brindar.
La investigación muestra que tiene una gran variedad de beneficios para la salud.
Una investigación reciente de Austria ha encontrado que escuchar música puede ayudar a los pacientes con dolor de espalda crónico.
Y una encuesta reciente deMind– Una organización de caridad de salud mental – encontró que después de la consejería, los pacientes encontraron que las terapias de grupo más útiles son aquellas relacionadas con el arte y con la musicoterapia.
Aquí presentamos tres maneras probadas de que la música puede ayudarlo a usted y a la salud de su familia
Cómo ayuda: La música funciona en el sistema nervioso autónomo – la parte del sistema nervioso responsable de controlar nuestra presión arterial, los latidos del corazón y la función cerebral – y también el sistema límbico – la parte del cerebro que controla los sentimientos y las emociones. Según una investigación, ambos sistemas reaccionan con sensibilidad a la música.
Cuando se reproducen ritmos lentos, nuestra presión arterial y los latidos del corazón disminuyen, lo que nos ayuda a respirar más lentamente, reduciendo así la tensión muscular en el cuello, los hombros, el estómago y la espalda. Y los expertos dicen que aparte de la tensión física, la música también reduce la tensión psicológica en nuestra mente.
En otras palabras, cuando sentimos dolor, nos asustamos, frustrados y enojados lo que hace que se pongan tensos cientos de músculos en nuestra espalda. Escuchar música regularmente ayuda a nuestro cuerpo a relajarse físicamente y mentalmente, ayudando así a aliviar y prevenir el dolor de espalda.
La investigación: Un nuevo estudio del Hospital General de Austria de Salzburgo, que se publicó en The Vienna Medical Weekly Journal, pudiera contener la clave del dolor de espalda. En el estudio, 65 pacientes con edades comprendidas entre los 21 y los 68 con dolor de espalda crónico después de la cirugía fueron divididos en dos grupos.
Un grupo recibió atención médica estándar y fisioterapia. El otro grupo también escuchó música y recibió clases de visualización durante 25 minutos cada día durante tres semanas. Los resultados encontraron que el grupo que escuchó la música y las imágenes utilizadas experimentó mejor alivio del dolor que el grupo que no lo hizo.
El psicólogo clínico Franz Wendtner, quien dirigió el estudio, dice: “La música es una parte importante de nuestro bienestar físico y emocional, desde que éramos bebés en el vientre de nuestra madre escuchando sus latidos cardíacos y ritmos de respiración.
Escuchar música durante unos 25 minutos todos los días durante al menos diez días puede ayudar a prevenir el dolor de espalda y también hacer que duermas mejor.
¿Qué tipo de música es mejor? Los expertos creen que cualquier tipo de música clásica como Mozart o Beethoven puede ayudar a aliviar el dolor muscular. La música tranquila, y lenta también se cree que puede ayudar.
Cómo ayuda: Los expertos dicen que escuchar música durante el ejercicio puede darle un mejor entrenamiento de diversas maneras. Los científicos afirman que puede aumentar su resistencia, aumentar su estado de ánimo y puede distraer de cualquier malestar experimentado durante su entrenamiento.
La investigación: El Dr. Robert Herdegen, del Hampden-Sydney College, en Virginia, examinó los efectos de 12 hombres que andaban en bicicleta durante diez minutos mientras escuchaban música en un día. Lo comparó con los mismos hombres que montaban bicicletas sin música durante diez minutos al día siguiente.
En los días que los hombres se ejercían escuchando música, viajaban un 11 por ciento más, en comparación con los días en que no escuchaban música. Los investigadores también encontraron que los niveles de esfuerzo de los hombres se encontraron en su nivel más bajo al escuchar música.
Otros estudios demuestran que escuchar música libera endorfinas – nuestras “buenas” hormonas naturales que elevan nuestro estado de ánimo y nos dan motivación para continuar con el ejercicio.
¿Qué tipo de música es mejor? El mejor tipo de música para el ejercicio se piensa que es de alta energía, la música de alto ritmo como el hip hop o la música para bailar.
Cómo ayuda: Para muchas personas que sufren de pérdida de memoria el lenguaje hablado se ha vuelto algo sin significado. La música puede ayudar a los pacientes a recordar melodías o canciones y ponerse en contacto con su historia. Esto se debe a que la parte del cerebro que procesa la música está situada junto a la memoria.
La investigación: Los investigadores del colegio Sogn Og Fjordane de Noruega compararon los efectos de la música en vivo, grabada y sin música en tres grupos diferentes de personas que sufren de amnesia post-traumática o pérdida de memoria.
Los pacientes fueron expuestos a las tres condiciones, dos veces durante seis días consecutivos. Los resultados mostraron que cuando los pacientes escuchaban música en vivo o grabada, dos tercios de ellos mostraban síntomas significativamente reducidos de ansiedad y orientación mejorada, en comparación con el grupo que no escuchaba música.
¿Qué tipo de música es mejor? La investigación muestra que las personas con pérdida de memoria responden mejor a la música de su elección, a la música que les guste.
Como verá, escuchar música es sumamente benéfico. Qué mejor que escuche la música de un ser querido interpretada en uno de nuestros majestuosos pianos. Llámenos para asesorarlo.
¿Por qué comenzar la formación musical con el piano? Aquí están mis diez razones principales para comenzar con un instrumento de teclado. Y el porqué debe ser piano :
1. Facilidad de tocarlo
¿Cómo se obtiene el sonido de un piano? Presiona una tecla de piano. No es más sencillo que eso. Debido a que los pianos son tan simples de tocar, los niños pueden comenzar sus estudios de música antes, tan pronto como sus manos tienen el tamaño y la fuerza para usar un teclado.
2. Aprender a leer música
El piano es un gran instrumento para ayudar a los estudiantes a aprender a leer música. Debido a la forma en que se presenta un teclado, es más fácil ver las relaciones entre los tonos tanto en las melodías como en los acordes y la forma en que aparecen escritas en el pentagrama. Además, debido a que el piano es tan simple de tocar, un estudiante puede centrarse en aprender a leer música en lugar de luchar con técnicas difíciles.
3. Sentido del tono
Un piano bien afinado siempre genera la nota correcta cuando se presiona la tecla. Esto desarrolla un agudo sentido del tono en el estudiante de piano. Otros instrumentos requieren un buen control de la respiración o la colocación exacta del dedo para hacer la nota correcta, lo cual puede ser muy difícil para un estudiante principiante que todavía no cuenta con un buen sentido del tono.
4. Afinación y Mantenimiento
La mayoría de los pianos solo necesitan ser afinados una o dos veces al año, y los teclados eléctricos nunca necesitan ser afinados. Esto es diferente de la mayoría de los otros instrumentos, algunos de los cuales necesitan ser ajustados cada vez que son sacados de su caso. Los pianos son instrumentos muy robustos. No necesitan cuerdas nuevas cada año o dos, como un violín o una guitarra. La mayoría puede ir por décadas sin necesidad de reparar o reemplazar piezas. Los pianos son básicamente un instrumento libre de preocupaciones.
5. Suenan bien desde el principio.
Muchos instrumentos, como el violín o la flauta, requieren un alto nivel de habilidad para producir un buen tono. Puede tomar años antes de que un estudiante tenga el control muscular para hacer que su instrumento realmente suene bien. Con un piano, presiona una tecla y sale una nota, y suena genial. Justo en su tono cada vez.
6. Amplia gama de tono
El piano tiene una gama enorme de lanzamientos, las notas más bajas más bajo y las notas más altas más altas que la mayoría de los instrumentos orquestales. Debido a esto, la música para el piano está escrita en dos pentagramas, tanto los agudos como la clave de bajo. Aprender a leer estas dos claves permitirá a los estudiantes pasar a un instrumento bajo o agudo con igual facilidad.
7. Melodía y Acompañamiento de forma simultánea.
El piano es uno de los pocos instrumentos que te permite tocar melodía y acompañamiento de forma simultánea. Los estudiantes principiantes pueden comenzar a tocar melodías sencillas, pero pronto aprenderán a añadir acordes y otros patrones de acompañamiento. Esto ayuda a desarrollar un mejor sentido de la teoría de la música que es posible con los instrumentos que sólo pueden tocar una nota a la vez.
8. Ideal para aprender la teoría de la música.
El diseño del teclado es muy sencillo. Las notas bajas están a la izquierda, las notas más altas a la derecha. Hay teclas blancas y teclas negras que facilitan el aprendizaje de notas agudas, graves, planas y diferentes tipos notas. La comprensión de cómo se construyen los acordes es fácil cuando el espacio entre las notas del teclado se correlaciona directamente con el espacio entre las notas escritas.
9. Rango Dinámico
El piano fue originalmente llamado el “pianoforte” o “sonido suave” en italiano. Fue diseñado como un instrumento que podría tocarse muy silenciosamente pero también podría ser tocado ruidosamente. El piano es lo suficientemente suave para acompañar voces u otros instrumentos, pero también puede ser un instrumento en solitario dinámico y dramático. Los Teclados de gama alta también tienen una respuesta dinámica, lo que significa que un toque más suave en una tecla hará un tono más tranquilo. Cuando comienzan con el piano, los estudiantes de música tienen una gran oportunidad de aprender a usar el contraste entre fuerte y suave para prestar emoción y emoción a sus actuaciones.
10. Una gran fundación
El piano es un gran lugar para empezar, ya sea que un estudiante de música elija estudiar otros instrumentos o quedarse con el piano. Debido a que el piano es tan versátil, los estudiantes pueden pasar muchos años gratificantes estudiándolo y seguir creciendo en su capacidad de tocar piezas más complejas con belleza y habilidad. También pueden aportar su sentido del tono, su comprensión de la teoría musical y todas las otras habilidades musicales que han desarrollado con el piano para estudiar un nuevo instrumento musical.
Enseñar una lección variada = Estudiantes más centrados
Los maestros de piano suelen caer en una de las siguientes dos trampas:
a) Tratan de ser tan increíblemente divertidos y llenos de actividades e ideas que se pierden en dar una “buena enseñanza” o
b) Caen en rutinas y se olvidan de que sus pequeños estudiantes necesitan moverse y re-enfocarse, sin importar cuál sea la disposición del alumno.
Encontrar un equilibrio que permita generar cambios frecuentes de enfoque que todavía sean productivos y eficaces es clave para proporcionar la mejor experiencia de lección para los estudiantes. Y estos cambios en el enfoque no tienen por qué ser tortuosos … o incluso desafiantes. Los niños necesitan variedad, y la variedad puede ser simple.
A continuación, te sugerimos 7 maneras simples en que los maestros de piano pueden cambiar el enfoque en dar las clases de piano:
1. Incluya actividades deescucharen sus lecciones: Se trata de un juego de escuchar que anime a los estudiantes a aprender a escuchar música activamente. Las habilidades de escuchar son una parte esencial de la educación musical y al mismo tiempo son una excelente manera de tomarla como un juego que rompa a la mitad la rutina de la clase.
2. Designe un área de su estudio como la “zona de juego” y realice los juegos de teoría lejos del área de estudio. Un ligero cambio en el ambiente puede ser justo lo que su estudiante necesita.
3. Invitar a los padres a las demostraciones: Invitar a otra persona al lugar de estudio cambia de enfoque. También es una gran manera de incluir a los padres en la práctica en el hogar dándoles conocimiento de primera mano de lo que su hijo está trabajando.
4. Rompa una pieza en pedazos pequeños y jueguen‘Simón Dice’: Use marcadores de colores, pegatinas o cintas para resaltar diferentes secciones de su pieza actual. Es más eficaz si busca patrones melódicos o rítmicos y los coloca acorde. Entonces diga “Simón dice que toque una sección azul. Simón dice que toque una sección amarilla. Simón dice que toque una medida púrpura”. De vez en cuando lance una orden que no incluya el “Simón dice” y vea si los puede sorprender
5. Uso de la tecnología: siempre y cuando el uso de una tableta o un teléfono inteligente sea útil (esto significa que lo está utilizando para un propósito específico, no sólo porque es “tecnología”), esto puede proporcionar un gran descanso mental. Y no siempre necesita jugar juegos. Grabar a su hijo tocando y luego viendo la grabación de nuevo juntos, comparando su rendimiento con un rendimiento de otro pianista de Youtube, tocando junto con pistas de acompañamiento, utilizando un programa de notación como parte de su formación de oído … todos estos son grandes “no-juegos” usos de la tecnología.
6. Cambiar de lugar: Los estudiantes aprenden mucho al asumir el papel del maestro. Al comenzar una nueva pieza, cambie las sillas y la siéntese usted mismo en el banco del estudiante. Pídale a su estudiante que lo conduzca a través de los pasos de decodificar una nueva pieza de música desde la silla del maestro.
7. Use un pizarrón: Hay algo sobre un pizarrón o pintarrón blanco que los niños adoran. Si lo coloca lejos de su piano durante su estudio entonces usted puede utilizar esto como un descanso durante la clase. Para algunas ideas, eche un vistazo a esta manera de enseñar la teoría en un pizarrón.